В музей за селфи: искусствовед рассказывает о том, что любой путь к прекрасному — правильный

Страна и год создания дадут контекст

Художники часто говорят об актуальных событиях. Картина Теодора Жерико «Плот „Медузы“» раньше называлась просто «Кораблекрушение», но французам в 1819 году не нужно было объяснять,что конкретно имеется в виду. Общество было недовольно реставрацией в стране монархии.

Гибель фрегата «Медуза» у берегов Сенегала по вине капитана,получившего свою должность благодаря лояльности императору,еще сильнее подогрело революционные настроения. Зная это,можно увидеть в картине не только вечный пафос борьбы за жизнь,но и мощное политическое содержание.

Аркадий Рылов. В голубом просторе.

wikipedia.org.

Историческая трактовка может коснуться даже картины,которая,как кажется,изображает что-то отвлеченное. В сложное для России и всего мира время,в 1918 году,Аркадий Рылов пишет светлую картину «В голубом просторе». Лебеди,фрегат,облака — ничего политического,ничего авангардного. Однако советские искусствоведы часто объясняли позитивный настрой работы как приветствие художником Октябрьской революции.

Михаил Каменский

Ключевая тема: арт-рынок

Экс-глава аукционного дома Sotheby’s в России — один из самых очевидных ораторов на тему арт-рынка. Регулярно читает лекции в Третьяковской галерее, «Гараже», НИУ ВШЭ и многих других площадках. Каменский рассказывает об истории и основных принципах арт-рынка, ценообразовании на работы разных художников, понятии «бренда», «провенанса» в искусстве. Лекции Михаила всегда сопровождаются инсайдерскими деталями — примерами реальных аукционных продаж с подробными историями поступления на торги.

Отдельный жанр — настоящие арт-расследования в размеренном и обстоятельном изложении Каменского. К примеру, знаменитый сюжет о том, как Виктор Вексельберг засомневался в подлинности работы Бориса Кустодиева «Одалиска», которая продавалась на Christie’s, и отсудил у аукционного дома три миллиона фунтов стерлингов.

Михаил Каменский

Фото предоставлено пресс-службой ГТГ

Первое посещение музея истории — сочинение

Сегодня наш класс ездил в музей истории. Здание музея большое, старинное и красивое. В вестибюле музея стояла елка, потому что были зимние каникулы, только что наступил Новый год.

По лестнице мы поднялись в зал, рассказывающий о жизни древних людей. По стенам располагались картины, изображающие сцены охоты древнего человека на мамонтов, медведей, буйволов.

А на стендах демонстрировались копья, стрелы, орудия труда, которыми пользовались люди в каменном веке. Все это очень интересно, ведь людям пришлось бороться за свое существование, прятаться от холода и хищников в пещерах, учиться пользоваться огнем.

Чем дальше мы продвигались по залам, тем развитее становилось человеческое общество. Вот уже и XVI век. В этот период люди знают строение Вселенной и Солнечной системы. Зодчие научились строить каменные строения, на Руси появляются прекрасные храмы, расписанные Феофаном Греком и Андреем Рублевым, начинают в монастырях писаться летописи.

Очень много узнаешь новых дат и фактов, а залы все не кончаются, их осталось столько же, сколько прошли. Нет, все сразу понять и запомнить нельзя.

Мы еще будем приходить сюда, узнавать все новые и новые факты истории. Это самое начало, мы не прощаемся с тобой, музей истории. Мы говорим: “До свидания, до скорого свидания!”

Сочинение про Первый раз в музее

Сегодня самый лучший день в моей жизни, вместо скучных уроков мы идем в музей. На это уйдет целый день. Большинство моих одноклассников уже неоднократно ходили туда, но для меня это первый раз. Они неоднократно рассказывали, как там интересно.

Конечно, я немного сомневалась, что мне понравится поход в музей. Возможно, это потому, что я привыкла к более современным развлечениям. Но родители меня уговорили, и я решилась на поездку.

Музей находился в другом городе, ехали мы примерно полтора часа. Я все переживала о том, понравится ли мне в этом месте. Я переживала, что будет банально и неинтересно.

Когда мы добрались до музея, все мои сомнения развеялись. Там была невероятная обстановка и атмосфера, все было светлым и красивым. Мне хотелось получше рассмотреть каждый предмет.

Сначала с нами ходил экскурсовод, и рассказывала истории про каждую вещь. Женщина нам рассказывала, что за вещи и откуда они взялись. Я не могла оторваться, мне было невероятно интересно, каждая мелочь для меня была важна.

Затем нам разрешили ходить по музею самостоятельно, фотографировать нам тоже разрешили, только без вспышки. Я с огромным интересом рассматривала каждый экспонат, затем фотографировала. Мне не терпелось рассказать о поездке своим родителям. Я сделала множество фотографий.

Спустя несколько часов поход по музею подошел к концу. Меня это немного огорчило. Я думала, что не все рассмотрела по-хорошему. Когда мы покинули музей наша учительница сделала совместную фотографию, для классного альбома. Затем мы отправились в рядом находящийся парк, где ели невероятно вкусное мороженное.

После музея у меня довольно долго было хорошее настроение. Я была впечатлена историей экспонатов. Я нисколько не жалею о том, что поехала в музей. Мне безумно захотелось чаще посещать такие места.

Я понимаю, что человек должен развиваться, а музей для этого хорошее место. Через неделю я пойду в музей с папой и мамой. Там будет выставка картин известного художника. Я уверена, что там будет очень интересно и познавательно.

Исходя из всего этого я могу сделать вывод: человек должен развиваться духовно, всегда стремиться узнавать что-то новое и открывать для себя мир со всех сторон. Ведь это так интересно.

Поленов и Европа

Миновав поленовские хиты при входе в экспозицию, зрители получают возможность узнать, каким образом эти хиты созрели, то есть увидеть картины, которые им предшествовали. А это работы, созданные во время пенсионерской поездки Поленова по Европе после получения золотой медали Академии художеств за «Воскрешение дочери Иаира» (которая расположена на выставке дальше от входной зоны, напротив «Христа и грешницы»). Поленов, интеллигент и потомственный дворянин (его отец был дипломатом в чине тайного советника, библиографом, историком и археологом, мать, внучка архитектора Николая Львова — детской писательницей и художницей-любительницей) одновременно с Академией художеств окончил юридический факультет Петербургского университета и настроен был серьезно: посетив Вену, Мюнхен, Венецию, Флоренцию и Неаполь и обосновавшись в Париже, он некоторое время склонялся к амплуа исторического живописца — выполненная во время пенсионерской поездки картина «Арест графини д’Этремон», посвященная травле гугенотов во времена Варфоломеевской ночи в Париже, была приобретена цесаревичем Александром Александровичем (будущим императором Александром III) и обеспечила ему в 1876 году звание академика. На выставке она расположена рядом с «Правом господина» из постоянной экспозиции Третьяковской галереи и «Цезарской забавой» из ее же запасников.

Все три картины выполнены в лучших академических традициях и вполне достойны парижских выставочных салонов того времени. Кстати, «Право господина» с сюжетом как будто специально на ярость феминисткам (знатному сеньору привели девушек накануне их свадьбы, и он выбирает, которую из них «опробовать» в постели перед первой брачной ночью) демонстрировалось в Париже на Весеннем салоне 1874 года (среди 1800 картин, отобранных по конкурсу). Это была первая картина Поленова, купленная Павлом Третьяковым. Могучий критик Владимир Стасов несколько лет спустя, когда Поленов уже поселился в Москве, пенял ему: «Москва Вам ровно ни на что не нужна, точь-в-точь, как и вся вообще Россия. У Вас склад души ничуть не русский, не только не исторический, но даже и не этнографический. Мне кажется, что Вам лучше всего жить постоянно в Париже или Германии».

Тем не менее именно в Европе Поленов «нашел себя» в качестве пейзажиста. Многие написанные им во Франции пейзажи явно созданы под обаянием художников барбизонской школы, но летом 1874 года Илья Репин, друг и однокашник Поленова по Академии художеств (Репин тоже получил золотую медаль за свое «Воскрешение дочери Иаира», и с тех пор два «Воскрешения» постоянно сравнивают) пригласил его в Вель на побережье Нормандии, где оба пенсионера с увлечением занялись этюдами на пленэре (даже написали с натуры одну и ту же лошадку для сбора галечника), и Поленов «вдруг» стал настоящим импрессионистом, с цветными тенями и открытым, свободным движением кисти.

«Щегол» и другие способы прийти к искусству

— Связан ли интерес к искусству и желание в нем разбираться с тем, что общество удовлетворило свои первичные насущные потребности, получило возможность видеть, например, Флоренцию и Ватикан собственными глазами?

Наталья Вострикова

— Абсолютно! Искусство – удовольствие всегда дорогое, как для тех, кто его творит, так и для тех, кто изучает. В общем, это пример классической пирамиды Маслоу. Наше общество, в целом, перешло на иную ступень. Персональное развитие, потребность личного совершенствования – стремление к изучению – ключевые идеи сейчас. И очень радостно, что оно обращается в сторону искусства.

Приходят к нему совершенно разными путями, кто-то попал на модную выставку, у кого-то в руках случайно оказалась популярная книга с картиной на обложке. Сегодня практически каждый читающий человек знает художника Фабрициуса, автора картины «Щегол». Думаете, до выхода романа кто-то слышал эту фамилию? Дальше все начинает нарастать, как ком. А возможность все увидеть, конечно, начала менять и сам взгляд.  

Знаете, с чего начинается посещение Лувра в первый раз? Три стрелочки на каждом повороте: Мона Лиза, Ника Самофракийская, Венера Милосская. И хорошо, если среднестатистическому посетителю известны все три эти персонажа. Медийную Венеру может и сложно не узнать, а вот Ника уже вызывает вопросы. 

Однако, пришел, поставил галочку, посмотрел три главных шедевра. Но мы в Лувре, музее шедевров, а вокруг все странное, кривое, некрасивое и непонятное. Не похоже на приятных котиков. Но все стоят смотрят, а я посмотрел, но ничего не понял…  

Вот еще хороший пример – Музей истории искусств в Вене. Человек почему час стоит перед картиной Брейгеля? Я третий раз прохожу мимо зала, а он все стоит. Что он видит там такого, чего не вижу я? Ведь не зря стоит? Значит что-то есть, а я не знаю? Как бы узнать?  

 Поэтому, конечно же, экономическая свобода в том числе влияет на отношение к искусству. Для рождения интереса должны быть удовлетворены базовые потребности.  

Чем больше мы видим, тем мы сами лучше. Можно сказать, что сейчас мы наблюдаем «Культ культуры». На слуху имена дирижеров, исполнителей, художников, они медийные персонажи

Это вынуждает даже самого непричастного обращать внимание. 

Вернемся к Серову, о котором, кроме имени, мало что знают, но в очередь встают. Это во всех областях, не только в изобразительном искусстве. Так что да, культ культуры. И это здорово, так как человека поднимает. 

Поленовская комната

В марте 1881 года Василий Поленов стоял перед постелью умирающей сестры Веры. Он понимал ее с полуслова, а любил всем сердцем. Умирающая шептала, что Васенька тратит талант попусту, разменивается на мелочи и забыл главное. Еще в детстве он пообещал себе и семье написать картину из жизни Христа…  Когда он только поступил в Академию, мать, а она была очень религиозным человеком, говорила: «учись, кончишь Академию и приступишь, помолясь Богу, к большой картине». Все и правда ждали от Василия Дмитриевича значительного произведения. 

Но сразу после Академии была Европа: берега Рейна и улочки Мюнхена, Швейцария и прекрасная Венеция. В Риме Поленов познакомился с неугомонным и пышущий идеями Саввой Мамонтовым, который обожал собирать вокруг себя талантливую молодежь. Вместе они ставили спектакль по «Женитьбе» Гоголя, устроили карнавальное шествие на улочках Рима. Поленову было не до серьезной живописи.

Тогда же его постигло личное горе. Проболев неделю, от кори умерла Маруся Оболенская, которую Поленов видел своей невестой. Тайком от Академии художеств он сбежал горевать к родным в усадьбу в Имоченцы. Там он писал с натуры. Но вскоре вернулся на берега Атлантики, в Бель. 

Библейский и евангельский сюжет не складывался. Поленов откладывался его, пока совсем не потерял к нему интерес. Да и успех, сопровождавшийся покупкой “Московского дворика”, “Заросшего пруда” и “Бабушкиного сада” не могли не вскружить голову художнику. И тут неожиданная, беспощадная и несправедливая смерть сестры-близнеца…

Той же осенью 1881 года вместе с искусствоведом Праховым и горнозаводчиком Семеном Абамелек-Лазаревым Поленов отправился в Палестину и Сирию. В путешествии по берегам Босфора, Мраморного и Эгейского моря, вдоль Нила, пользуясь любым удобным случаем, Поленов делал зарисовки. Он схватывал пронзительную голубизну южного неба и солнца, размышляя над композицией будущей картины “Христос и грешница”. 

На Тивериадском (Генисаретском) озере. 1888

Ему было тридцать восемь лет, когда в 1882 году он женился на Наталье Якунчиковой. Молоденькая девушка поверила, что художник сможет осуществить грандиозный замысел и написать картину, о которой только и говорил после смерти Веры. Взяв годичный отпуск в Московском училище ваяния и зодчества, где Поленов был уже преподавателем, он уехал в Европу собирать натурный материал.

Сидя в парижской мастерской, потом в Риме, куда перебрался из-за болезни, Поленов разрабатывал композицию, в которой задумал показать Христа не идущим к людям, как у Иванова, а уже пришедшим. Из под руки художника десятками выходили этюды, наброски фигур, лица итальянских евреев. Позже все этюды будут представлены на очередной выставке передвижников, что было невиданным для России делом и новаторством. 

Этюд – это вспомогательная работа, “черновик”, быстрый набросок для памяти. Никогда и никем в академической живописи он не рассматривался как самостоятельное и тем более законченное произведение. Однако, все этюды Поленова, а было их около сотни, после выставки скупил Третьяков. 

Они сделанны с таким мастерством, что их нельзя не считать законченными самостоятельными произведениями искусства. Это и обнаружил коллекционер. Купленные Третьяковым работы физически не влезли в его галерею. Специально под них меценат построил отдельную “поленовскую” комнату. 

Мое впечатление от посещения музея

Сегодня я поделюсь с вами своими эмоциями и ощущениями, которые охватили меня, когда я оказался в музее первый раз в своей жизни.

Почему я решил пойти в музей? На самом деле все просто. Мы гуляли с мамой на выходных и немного стали замерзать. По дороге мама услышала, как какая –то женщина зазывает всех желающих посетить краеведческий музей. Мы спросили у нее сколько стоит билет, и так-как цена была адекватной, мама предложила мне пойти туда. Ну я недолго думая согласился.

Мы заплатили за вход и зашли в музей. Кроме нас там было всего три человека. В музее было очень просторно. Оказывается, там работает женщина-экскурсовод. К моему удивлению она рассказывала и все объясняла каким-то понятным для меня языком. Мне было очень интересно.

В музее стояли стеклянные шкафы, в которых было сложено много чего интересного. Например, остатки старых кувшинов, столовых приборов и другой посуды, которые были раскопаны во времена археологических раскопок.

Немного грустно было смотреть на разбитые каски и потрепанную солдатскую форму. Это была одежда какого-то погибшего солдата. Рядом с каской лежала помятая железная кружка. От увиденного в этот момент стало грустно и слезы навернулись на моих глазах. Но я сдержался.

Большое место в музее занимали гигантские фигуры львов и остатки каких-то колонн. Очень интересно было разглядывать узоры на этих колоннах. Экскурсовод что-то говорила про них. Но я уже не слушал так внимательно, как вначале своего путешествия по музею. Мне было просто интересно рассматривать и фантазировать.

Вообще я очень рад, что побывал в музее. Я узнал историю своего города и еще много чего интересного. Самое главное, что у меня появилось желание пойти и в другие музеи тоже!

Не забудьте про эмоции

Всем предыдущим шагам можно научить. Этому — нет. Только индивидуальный чувственный опыт может влюбить в картину,особенно если он связан с личными переживаниями.

Исаак Левитан. Облака.

www.wikiart.org.

Лидия поделилась своим опытом: поступив в университет,она увидела в барнаульском музее этюд Исаака Левитана «Облака». Чувство начала большой и прекрасной жизни наложилось на легкость пейзажа. С тех пор «Облака» каждый раз воскрешают у Лидии это ощущение,которое она могла и забыть,не увидев Левитана.

Куда сходить в Барнауле

Лидия Рыжова порекомендовала читателям altapress.ru выставки,на которые можно сходить прямо сейчас и потренировать умение смотреть на искусство.

— Государственный художественный музей: Юрий Люкшин,выставка «Коты для умножения доброты»;

— Музей «Город»: выставка Алексея Чеканова;

— Библиотека им. В. Я. Шишкова: коллективный проект «TERRA: Камчатка», где фотографии Дарьи Малицкой дополнены графикой Станислава Подусенко и текстами об истории и суровой природе этого полуострова.

Федор Журавлев.

Отношения персонажей

Рассматривать героев нужно в сочетании друг с другом. У Пьера-Поля Прюдона есть несколько картин с Купидоном,но не везде он положительный персонаж. На первой влюбленная пара проходит мимо завлекающей богатством девушки,но на второй любовь и плотское влечение приводят к раскаянию: посмотрите на мрачную фигуру за спинами любовников.

Правда,всегда есть риск ошибиться. Старые художники иногда рисовали в образах мифологических героев заказчиков или своих близких,и тогда трактовки сюжета в духе античности не имеют смысла.

Рафаэль. Афинаская школа.

muzei-mira.com.

Если герои картин вам незнакомы,стоит понаблюдать за их действиями и взглядами. Иногда художники пишут свои автопортреты на многофигурных картинах: Рафаэля можно найти среди персонажей «Афинской школы» по прямому взгляду на зрителя.

Всегда интересно разглядывать персонажей работ Питера Брейгеля: они буквально изображают значения нидерландских пословиц. Женщина привязывает дьявола к подушке — это означает упрямство,преодолевающее все.

О том, как Instagram продвигает искусство

— Кто приходит на лекции? Чаще это люди, которые уже что-то знают и ориентируются или совсем несведущие?  

Наталья Вострикова

— Очень разные. Совершенно разного возраста. В аудитории, на экскурсиях мы видим и девушек 25 лет, и взрослых дам, мужчин все же меньший процент.

Одни уже имеют багаж насмотренного, и он порождает множество вопросов, возникает желание понять, почему именно так, а не иначе. Почему одно следует из другого и идет в строгом согласии со структурой истории.  

Бывает так, что человек видел что-то в Уффици, Прадо, Лувре, Эрмитаже или Третьяковской галерее, приходит на лекцию, особенно если она затрагивает какие-то культурные и исторические аспекты, и вдруг — у него все складывается в единую картинку. Из накопленных знаний в литературе, насмотренности в музеях и информации на лекции приходит целостное понимание эпохи, и тогда уже художники не существуют отдельно и не кажутся непонятными, их, чаще всего, не спутаешь.  

Но скажу вам по секрету, даже у искусствоведов эта картинка не всегда складывается быстро. Поэтому, если это не происходит с обычным зрителем, – это абсолютно нормально.  

Бывает же так, что человек попадает на модную выставку, его что-то цепляет, и он приходит с этим маленьким опытом на простую лекцию. Очень популярны в лекториях и музеях, например, лекции о тайнах картин, о том, как отличить Мане от Моне. Это самое начало пути – но это уже дорога! Это интерес, что само по себе ценно. И сегодня на этой дороге многолюдно.  

— Я вижу, что за последние 4-5 лет появилось множество разных лекториев, в соцсетях огромное количество арт-клубов, онлайн-школ по искусству, аккаунтов искусствоведов и тд. Благо ли это? Как отсечь в этом изобилии не совсем качественный контент?   

Наталья Вострикова

— Безусловное благо! Потому что все упомянутое – это неоспоримое свидетельство того, что есть тот самый интерес, о котором мы говорим. Был период в нашей истории, когда его не было абсолютно, и это отражение нездорового, охваченного другими заботами общества (речь о 90-х годах).

Сейчас мы стали свидетелями какого-то нового витка общественной эволюции. И остается только наблюдать, к чему это приведет. Глобальность процесса заключается в следующем – то, что всегда было доступно узкому кругу, становится доступно широкому.  

Понимаете, классическое искусствоведение – это такой мирок научных статей. Есть художник и группка людей, которые вокруг него живут, которые о нем же пишут, и между собой устраивают конференции… И никто ничего не знает. Приходит человек в музей, видит картину художника Ватто, и на этом все. Хорошо, если фамилию запомнит. Когда же все идет в массу, это здорово и особенно ценно. Пусть обо всем этом больше говорят.

Разумеется, что отношение старожилов к этому всегда будет неоднозначное. Это объяснимо. Когда в вашу епархию кто-то влезает со стороны и начинает это популяризировать, и вы видите — здесь сказали не так, здесь вообще дата не та названа – конечно, возникает некая естественная ревность. Мы этим занимаемся всю жизнь, а кто-то вдруг про Бернини или Ван Гога начинает всем рассказывать, и люди слушают. Почему не слушают нас?  

В процессе становления хватается и поедается любая информация, которая есть. Пусть будут все эти искусствоведческие блоги абсолютно разной направленности. Кто-то серьезен и вдумчив, кто-то с шуточками-прибауточками, кто-то с использованием сленга — у каждого своя аудитория, но она интересуется, узнает и разбирается. 

«От складки к геометрии»

Здесь я хотел найти истоки кубизма, о которых никто ранее не писал. В картинах начала XV века, особенно часто у фламандских мастеров, вы можете увидеть женщин в пышных платьях, состоящих из большого количества складок. Зачастую эти складки очень геометричны, линии пересекают друг друга. Очевидно, что художники тратили очень много времени на эту тонкую работу, больше, чем на написание лица позирующего, например. Если вдуматься, то кубисты делали то же самое — чтобы показать эту аналогию, рядом я вешаю «Скрипку» Пикассо. Я постарался нарисовать линию между этими двумя направлениями в искусстве, которые очень далеки друг от друга по хронологии. Также система исламского архитектурного декора похожа на геометрические штудии европейских художников 1960–1970-х годов, например, француза Франсуа Морелли. Они висят рядом, и сходство очевидно.

«От зеркала к двойнику»

В этой секции две мощные работы, с которых все началось — «Старая кокетка» Бернардо Строцци, на которой глубоко пожилая женщина смотрится в зеркало и пытается быть привлекательной. Вторая — «Аллегория бренности (Vanitas)» Якопо Лигоцци, копии которого есть в большинстве крупных музеев: натюрморт с черепом выглядит ужасающе. Мне показалось эффектным повесить их рядом. От зеркал мы переходим к старинным реликвариям, которые я сопоставляю с африканскими скульптурами. В реликвариях есть отверстия с мощами в области груди, а в Республике Конго есть культовые статуэтки нкиси, в которых также располагается зеркало. Они экспонируются рядом с мраморной статуей двух путти, которые играют и пытаются поднять сердце с пола. Далее неизбежно приходит ассоциация с Нарциссом, который видел свое отражение не в зеркале, а в глади воды. После него идут пейзажи с горами и городами, которые отражаются в поверхности озера или реки — сюжет, который завораживал художников сквозь века.

«Аллегория бренности (Старая кокетка)», Бернардо Строцци. Около 1637 года. ГМИИ им. А. С. Пушкина

«От возлюбленной к колдунье»

Это самый большой раздел, в нем 75 работ. И это неслучайно: в собрании ГМИИ и любого другого музея две самых популярных темы — это религия и любовь. Первой я повесил работу 2020 года коллектива современных нью-йоркских художниц-феминисток Guerrilla Girls — с вопросом, кого в музее больше, художниц или обнаженных женщин на картинах? Далее развивается тема обнаженной натуры, эротизма, плотских утех и, наконец, любви. От юношеского флирта, как «Вакханка» Франсуа Буше, к любовным письмам — одно из них запечатлено на картине XVI века «Любовное послание». От записок — к роману, как «Свидание» Пикассо. Потом переходим на сюжеты мужского и женского доминирования в паре — ведь до эпохи равноправия история знала и те и другие примеры. Отсюда сам собой напросился исторический мотив «охоты на ведьм» и других жестокостей. А любовь логически заканчивается свадьбой — церемонию можно видеть на полотне Даньян-Бувре — и скрепляется согласием — его символизирует абстрактное Yes Жоана Миро.

«Вакханка, играющая на свирели», Франсуа Буше. XVIII век. ГМИИ им. А. С. Пушкина

Поленов и усадьбы

Дизайн экспозиции создан Алексеем Подкидышевым — в привычных для подобных выставок в Третьяковке выгородках и нефах воспроизведены очертания окон мастерской Поленова в его усадьбе Борок в Тульской губернии. Названная Аббатством мастерская была построена по проекту самого Поленова, как и главный усадебный дом, в котором он с самого начала планировал сделать общедоступный музей и картинную галерею — и сделал. А еще построил на собственные средства церковь и школу, включив в нее театральный зал, где силами окрестных крестьян ставились спектакли, к которым Поленов делал декорации и сочинял костюмы. И после революции, когда сотни усадеб по всей России были разграблены и сожжены, местные крестьяне охраняли Борок. Ныне это Государственный мемориальный историко-художественный и природный музей-заповедник В.Д. Поленова, или просто Поленово.

Обустроившись на берегу Оки в середине 1890-х, Поленов написал здесь множество панорамных пейзажных видов в разное время года — их можно рассмотреть на выставке, а заодно и совершить воображаемое путешествие в Поленово, если вы там не бывали (или воскресить воспоминания, если бывали).

Вообще большинство российских пейзажей Поленова — будь то виды с высокого берега Ояти в усадьбе семьи Поленовых Имоченцы в Олонецкой губернии (между Петербургом и Петрозаводском), пейзажи подмосковного Абрамцева или река Ока под Тулой — объединены «домашними» ассоциациями: это то, на что он смотрел почти каждый день, а если учесть, что Поленов многое повторял или варьировал, то, любуясь его пейзажами и вновь и вновь узнавая уже виденные мотивы и очертания, вы в конце концов становитесь как бы другом дома, прогуливающимся вместе с художником по хорошо знакомым усадебным окрестностям.

В этом и состоит пленительность «Московского дворика» или «Бабушкиного сада» — в том, что вы многократно очаровывались и предавались мечтам и воспоминаниям о ваших личных пейзажных уголках, двориках или далях с рекой и высоким светлым небом, а Поленов (первый в русской пейзажной живописи, рядом с Алексеем Саврасовым с его «Грачами») все это «выговорил» и запечатлел вам на память. Необязательно знать, что на двух самых популярных картинах Поленова — одна и та же усадьба некоего корнета Баумгартена (в «Московском дворике» — торец усадебного здания, в «Бабушкином саде» — парадный фасад) и что изображенная в «Московском дворике» пятиглавая церковь Спаса на Песках с шатровой колоколенкой сохранилась до наших дней в арбатских переулках, но можно мысленно совершить путешествие во времени, предаться ностальгии и «вспомнить», как все это было в 70-е годы XIX века.

Борис Клюшников

Ключевая тема: философия искусства

Если вы не знаете, как подступиться к философскому пласту искусствознания, попробуйте начать с лекций искусствоведа и философа Бориса Клюшникова. Во-первых, он 1989 года рождения и занудным априори быть не может. Во-вторых, преподаватель БВШД, Школы Родченко, института «База» и создатель лаборатории художественной критики при «Винзаводе» самые серьезные темы излагает заразительно и без тени снобизма. Слушать его одновременно стыдно и приятно. С одной стороны, как мало мы знаем и сколько времени потеряли в детстве на «Тамагочи», пока Борис, судя по всему, читал Бодрийяра и Кьеркегора, с другой стороны, как хорошо, что есть такие молодые знатоки. Примеры к сложным концепциям всегда живительны в своей злободневности: например, Siri как вместилище архетипа женщины. Из лекций Клюшникова можно почерпнуть и обширный список арт-чтения: он всегда озвучивает названия трудов, на которые ссылается. Последнюю онлайн-лекцию Бориса от 27 августа можно посмотреть на YouTube-канале Центра Вознесенского.

Борис Клюшников 

Институт «База». Фото: Анна Сапожникова

Дмитрий Гутов

Искрометная подача, выжимка самой главной информации, интерактив и юмор отличают лекции российского художника и искусствоведа Дмитрия Гутова. Оратора Гутова интересно слушать по трем причинам. Первая — он много, очень много читает. Отсюда и глубина познаний, и блестящая вербализация: в его изложении завораживает любая тема, от каменного века и Древнего Египта до супрематизма и московского концептуализма. Вторая причина — он не только теоретик искусства, но и художник, причем заметный (вы можете помнить его персональную выставку «Рембрандт. Другой ракурс» в Пушкинском в 2015 году). По собственному признанию, знание теории мешает ему творить, а вот мастерство художника читать лекции только помогает. Третье отличие Дмитрия от многих искусствоведов-теоретиков — он последние лет тридцать очень активно включен в художественный контекст: участвует в Венецианских и других биеннале, выставках «Манифеста» и «Документа», дружит с художниками и философами. Его бодрый голос и фирменная оранжевая толстовка мелькают на разных дебатах, круглых столах и лекциях — от Пушкинского музея до онлайн-школы Manasir School. Отдельное удовольствие — читать страницу Гутова в Facebook, где он делится заметками о своих путешествиях по музеям от Ташкента до Бильбао.

Дмитрий Гутов

Фото предоставлено Manasir School

Смерть Александра Иванова

Потомственный дворянин, сын историка и археолога, Василий Поленов увлекался живописью с детства. Рисовал с двух лет на всем, что подвернется под руку: на бумаге, стенах, песке. Но вкус к искусству ему привила мать, которая была художницей-любителем. Однажды пообещала детям пригласить в дом пенсионера Общества поощрения художеств Александра Иванова, только вернувшегося из Италии. 

В 1858 году Иванов привез в Петербург долгожданное «Явление Христа народу», над которым трудился двадцать с лишним лет. Выставленная на всеобщее обозрение в Академии художеств картина потрясла четырнадцатилетнего Поленова. Почти ежедневно, едва заканчивались уроки в гимназии, он прибегал в Академию. Простаивал перед полотном часами, делая наброски и копируя фигуры. 

Иванова очень ждали в доме Поленовых, поэтому громом среди ясного неба стала весть о его скоропостижной смерти. Причиной была не только холера, которой заболел художник, в большей степени неодобрение и осуждение, которое вызвала в обществе его картина. Биографы утверждают, что в те дни у юного Василия Поленова возникла идея создать полотно столь же значительное и масштабное, каким ему представлялось «Явление Христа народу». Впрочем, прошло не одно десятилетие, прежде чем художник взялся за свой евангельский цикл. 

Поленов и театр

В самом дальнем зале размещены работы Поленова, связанные с театром и архитектурой. Вообще устроители выставки всячески подчеркивают многосторонность Поленова, который был не только художником, но и архитектором, и педагогом, и театральным декоратором, и даже музыкантом и композитором (например, сочинил оперу «Призраки Эллады» на выдуманный античный сюжет — про скульптора, дерзнувшего воплотить в статуе Афродиты образ своей реальной возлюбленной. Опера длительностью около 50 минут, в которой сочетались пение и мелодекламация, была поставлена в 1906 году в Московской консерватории и прошла один раз).

Василий Поленов. Рисунок для авантитула альбома «Хроника нашего художественного кружка». 1894. Бумага, акварель. Музей-заповедник «Абрамцево», Московская область. Изображение Афродиты в глубине — фрагмент декорации Поленова к опере «Призраки Эллады»

Театр — искусство эфемерное, и в случае осуществленных когда-то давно театральных постановок нам, как правило, приходится довольствоваться эскизами декораций и костюмов и свидетельствами современников о том, как это выглядело на самом деле. И в случае с Поленовым эскизы и воспоминания убеждают: это было волшебно, тем более что художник, как правило, работал для небольших любительских сцен вроде подмостков в усадьбе Саввы Мамонтова в Абрамцеве, придумав «единую декорацию», где в одном холсте воссоздавались и глубина пространства с пейзажами и архитектурой, и всевозможная обстановка и предметы, нужные для действия.

В 1883 году Мамонтов поставил в Абрамцеве оперу «Алая роза» по сказке Шарля Перро «Красавица и чудовище» (существует русский аналог этого сюжета — «Аленький цветочек» Сергея Аксакова). Либретто сочинил сам Мамонтов, а музыку написал Николай Кротков, прошедший в Вене школу Иоганнеса Брамса. Местом действия Мамонтов выбрал средневековую Испанию, а Поленов исполнил декорации (а еще сыграл роль мавра). Сохранились акварельные эскизы декораций, от которых (от декораций, то есть) бледнели от восторга лучшие театральные художники молодого поколения — и Коровин, и Бакст, и Головин. Виктор Васнецов прямо называл декорации Поленова гениальными: «Его декорации к “Алой розе“ — гениальные декорации, говорю это смело при таких свидетелях, как, напр, Репин. Надо быть волшебником, чтобы перенести нас в эти сказочные дворцы и сады».